Al Teatro Diana dal 15 al 26 aprile
Al Teatro Diana, Umberto Orsini non torna semplicemente in scena: torna a misurarsi con il teatro nel suo punto più scoperto e più autentico. Prima del temporale, costruito insieme a Massimo Popolizio, che ne firma anche la regia, è il luogo in cui un attore che ha attraversato decenni di teatro decide di sottrarsi ai personaggi per esporsi direttamente. Ma la sottrazione è solo apparente: quei personaggi non scompaiono, si riorganizzano dentro un dispositivo scenico che li restituisce come tracce vive, sedimentate nel corpo e nella memoria.
L’idea è semplice e, proprio per questo, fertile: Orsini è nel camerino, in attesa di andare in scena con Il temporale di August Strindberg. L’attesa diventa durata, la durata si incrina, e da quella fenditura emergono figure, incontri, passaggi decisivi. Il camerino non è più backstage ma spazio originario del teatro: il luogo in cui l’attore si è costruito, ha attraversato le psicologie dei personaggi, ha fatto esperienza del mestiere. È qui che il racconto si addensa, senza mai diventare cronaca.
Popolizio lavora con precisione nel sottrarre linearità al materiale autobiografico. Non c’è successione ordinata, ma un montaggio di apparizioni: Virna Lisi, Gian Maria Volonté, Franco Zeffirelli, insieme a figure più intime come Helen Kessler, non sono episodi ma nodi di senso. In ciascuno di questi passaggi si avverte quella continuità, tipica di Orsini, tra esperienza vissuta e forma artistica: il dato personale non precede il teatro, ma vi si compie.
È qui che lo spettacolo evita il rischio più evidente – quello del memoir – e trova invece una qualità propriamente teatrale. Orsini non racconta soltanto: riattiva. Si muove tra registri diversi, lascia affiorare frammenti di interpretazioni, come il monologo de L’uomo dal fiore in bocca di Luigi Pirandello o echi dai Fratelli Karamazov di Fëdor Dostoevskij. Non sono citazioni, ma slittamenti, ritorni di energia attoriale che rendono visibile il lavoro stratificato di una vita. Accanto a Orsini, Flavio Francucci e Diamara Ferrero accompagnano la narrazione scenica inserendola concretamente nel tempo e nello spazio della rappresentazione imminente: le loro presenze popolano il camerino nell’attesa del Temporale di Strindberg, contribuendo a costruire quella dimensione viva e operativa del teatro in cui il racconto si radica, tra preparazione, relazione e tensione verso la scena.
L’allestimento accompagna con intelligenza senza mai imporsi. Le scene di Marco Rossi e Francesca Sgariboldi costruiscono un ambiente riconoscibile ma poroso; i costumi di Gianluca Sbicca restano funzionali alla variazione continua dell’identità scenica; le luci di Carlo Pediani lavorano per transizioni più che per effetti, segnando passaggi interni piuttosto che esterni. Decisivo è il contributo video di Lorenzo Letizia, in dialogo con il suono di Alessandro Saviozzi: le proiezioni finiscono per costituire l’ossatura stessa dello spettacolo, quale dispositivo teatrale che entra in dialogo continuo con la presenza scenica di Orsini. Ne deriva una partitura in cui immagine e interpretazione si rispondono, permettendo di restituire in forma compatta e leggibile la stratificazione del suo percorso artistico, senza ridurlo a una sequenza cronologica ma facendone emergere la coerenza interna.
All’interno di questo impianto, la scelta di introdurre una telecamera sul tavolo del camerino trova la sua piena efficacia nel segmento dedicato ai Fratelli Karamazov: è lì che l’intuizione registica si precisa e acquista senso. Il volto di Orsini diventa superficie di iscrizione del tempo, luogo in cui la memoria si fa visibile senza mediazioni retoriche. L’innesto cinematografico resta circoscritto, ma proprio per questo incisivo: non invade la scena, bensì la attraversa, creando una diversa soglia di prossimità che intensifica la qualità dell’ascolto.
Ne emerge uno spettacolo che richiede attenzione piena e consapevole. La traiettoria di Orsini si configura come un percorso esemplare nella sua chiarezza: una vita teatrale costruita attraverso incontri, maestri, abnegazione e disciplina. In questa prospettiva, si impone come una vera lezione di teatro, concreta e incarnata, capace di restituire il processo stesso del fare scenico nella sua continuità tra esperienza vissuta e forma artistica.
Prima del temporale non è un congedo, né un bilancio. Piuttosto, è un atto di presenza. E forse è proprio questa la sua qualità più netta: ricordare che il teatro, anche quando guarda indietro, esiste solo al presente.
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Il Corriere del Teatro 